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expÉrience de spectateur: « The art of not looking back », Spectacle de danse de Hofesh Schechter. Vu dans « Quatre chorégraphes à l’Opéra de Paris », 2018

De Luc Roca
Regarder un extrait du spectacle

[ Ce billet s’inscrit dans une série dont vous trouverez la présentation ici : des étudiants-comédiens de l’ESAD Paris décrivent leurs expériences de spectateurs ]

Hofesh Shechter, the art of never looking back

 

C’est les vacances de Noël

Je suis dans le salon

Ma mère est sur son ordinateur portable

Je regarde la captation d’un spectacle sur Arte Replay

C’est 4 chorégraphes à l’Opéra de Paris

Le premier c’était James Thierré 

Le second commence

On voit les gens qui s’installent dans la grande salle de l’Opéra Garnier le noir se fait et il y a une voix off qui commence à parler en anglais donc je comprends pas trop ce qu’elle raconte puis elle s’accélère jusqu’à ce que ça devienne incompréhensible pour tout le monde on ne saisit aucun mot et puis soudain ça ralentit et on entend cette dernière phrase 

                                                                                    que j’ai comprise

il dit

                                     « jusqu’au moment où ma mère m’a abandonnée »

                   

                   un noir

                   un silence

 

                                                        et là

 

un énorme cri déchirant sorti des profondeurs                   une lumière aveuglante qui illumine

des entrailles une voix d’homme mais un cri aigu               toute la salle de l’Opéra Garnier toute

de quelqu’un à qui on arracherait les ongles             cette immense salle et on aperçoit le

                                                                           public dans l’orchestre ils ont l’air                                                                             scotchés aux sièges

 

je sursaute dans mon fauteuil j’écarquille les yeux je me réjouis de ne pas être dans la salle ça m’aurait encore plus fait flipper et je me dis dans la tête « ah ouais ok… » qui est en même temps plein d’interrogation et plein d’envie qui signifie « ça va être du gros lourd » mais aussi « qu’est-ce que c’est que ce truc ? »

 

                   re-noir

                   re-silence

 

le rideau s’ouvre et j’aperçois sept ou huit filles en chœur en avant-scène plantées dans le sol indélogeables regardant le public elles sont hyper puissantes rien ne peut les faire bouger de là

   

je suis impressionné et aux aguets comme une                  

proie derrière un buisson qui sent une énorme    

présence un danger    

hypnotisé fasciné je ne peux pas

            décrocher mon regard elles             

dégagent

                                                  un énergie qui m’attrapent les tripes et                                                                    m’envahit

 

                            je suis scotché à mon fauteuil

 

le son fait partie intégrante des danseuses et de la chorégraphie comme un interprète à part entière il y a des mélanges de classique et de cri/onomatopées de musique orientale le tout mêlé à un dernier partenaire la lumière qui apporte différentes textures dynamiques perceptions émotions tout se complète se contraste se tend se love les uns dans les autres.

  

Je l’ai vu quatre autres fois dont deux fois avec des personnes différentes à deux moments différents.

Le moment du cri du début me fait à chaque fois sursauter ça annonce la couleur alors j’écarquille

                                                        je leur en ai tellement parlé

les yeux et  on se regarde avec mes ami.e.s                                           comme pour dire « c’est que le début mon pote »                                        

                                                                                  

                                     A un moment une danseuse se retrouve seule debout au centre du plateau regardant le public serrant sa robe dans les mains le regard lancé à travers l’air perçant toutes les couches corporelles pour atteindre l’âme elle dégage une énergie une rage une puissance elle rayonne                                                                      

                                                                                    je me rends compte que je suis

                                                                                    amoureux des                                                                                                            danseuses et en particulier d’elle                                                               

  

         une voix off prononce une fois

 

                            « I don’t forgive you »

                            

je reçois une décharge derrière mon écran incapable de bouger

                                                                 pour ne pas perturber ce temps

                                                                 mais aussi car incapable de bouger.

 

Le spectacle se termine

Il y a toujours un moment de silence

On veut/peut pas parler

Je suis enfoncé dans mon canapé un poids en plus une gravité en plus

Je regarde mes ami.e.s

Ils regardent l’écran en pause ne disent rien.

 

Luc Roca

 

crédits de l’image

Des étudiants comédiens décrivent leurs expériences de spectateurs

Nous inaugurons avec ce billet une série relative à un travail qui associait des chercheurs du projet IdEm à des étudiants de l’ESAD (Ecole supérieure d’art dramatique)  de Paris, promotion 2019.

Ce travail, qui s’inscrit dans le projet « Opération Caravage » porté par Anne Monfort  et financé par le Ministère de la culture (Direction générale de la création artistique), comprenait deux volets.

D’une part, Marie Martin, Mildred Galland-Szymkowiak, Alain-Patrick Olivier sont venus exposer début 2020 aux étudiants plusieurs notions étudiées dans le Vocabulaire de l’identification dans les arts du spectacle (actuellement en préparation, en ligne fin 2021). Ces conférences ont été suivies de discussions animées avec les étudiants, qui ont cherché à s’approprier les notions et à se demander si et comment eux-mêmes pouvaient, dans leur jeu, viser un « effet » sur le spectateur qui serait adéquatement décrit par ces notions : un effet d’hypnose, de projection, ou d’Einfühlung.

D’autre part, Anne Monfort, metteure en scène et Laure Bachelier, dramaturge, ont mené un travail de plateau avec les étudiants , dans un geste conjoint d’adaptation et de jeu à partir de matériaux non dramatiques. D’abord à partir du texte Agnès et ses sourires de Stéphane Bouquet, conçu comme une variation autour de l’écriture d’un synopsis, puis à partir du roman L’avancée de la nuit de Jakuta Alikavazovic. Tout au long de cette session, les étudiants ont été mobilisés à la fois sur le travail de l’acteur et sur le ressenti du spectateur ; le dialogue avec les chercheurs a été l’un des éléments d’un processus d’allers-retours dans lequel s’inscrivait aussi non seulement la création de formes scéniques, mais aussi un exercice consacré à l’expérience de spectateur des étudiants, exercice dont les textes que nous présenterons dans les prochains billets constituent la trace.

Le protocole était le suivant : chacun vient, lorsqu’il le souhaite, raconter sur scène, assis ou debout, une expérience de spectateur qui l’a marqué en essayant de ne pas évaluer d’un point de vue esthétique le spectacle en question, mais de partager ses sensations en tant que spectateur sans (trop) dépasser trois minutes. Les étudiants discutent ensuite rapidement autour de ce partage. Enfin, l’objectif proposé pour la rédaction des textes consiste à essayer de retrouver dans et par l’écriture l’expérience traversée par le corps au plateau.

Nous publions à partir d’aujourd’hui un choix de ces textes écrits par les étudiants comédiens de l’ESAD. On les retrouvera aussi sous la rubrique « expériences d’identification ».

Anne Monfort, Laure Bachelier et Mildred Galland-Szymkowiak

Relation à soi du danseur et empathie du spectateur

Quelle est la nature du lien qui se crée entre spectateur et danseur lors d’un spectacle de danse ? Dépend-il de la reproduction correcte d’une certaine figure, ou bien plutôt de l’attention que le danseur accorde à la manière dont se nouent en lui configuration de la musculature “tonique” profonde et sphère émotionnelle? Comment la conscience chez le danseur de sa propre corporéité dynamique peut-elle influer sur le développement de l’empathie entre spectateur et représentation ?

Maurice Courchay, chorégraphe et directeur du département Danse au Pont Supérieur (Nantes), analyse ces questions à la lumière de son expérience en tant qu’enseignant et chorégraphe. Il suit dans cet article la piste de la relation à soi du danseur, relation de présence dans laquelle se nouent travail musculaire profond, sphère affective et naissance du sens d’un « personnage » et d’une chorégraphie.

Nous mettons à disposition ici pour le téléchargement le texte revu de son exposé à la Journée d’études du projet IdEm : Identification et empathie dans triangle acteur/personnage/spectateur (Paris, INHA, mars 2015). La référence à donner si vous vous référez à ce texte est indiquée au début du document.

compte rendu du colloque « Extase »

par Marion Stenton (ENS/Études théâtrales)

Pour les journées du 9 et 10 novembre 2018, dix chercheurs ont présenté leur examen de la notion d’extase, croisant les champs historiques, philosophiques, religieux et artistiques. Ce compte-rendu ne vise pas à résumer l’ensemble des exposés, mais propose de relever les concordances et oppositions, dégageant ainsi les convergences ou difficultés qui ont pu rejaillir des différentes discussions. Les différents intervenants, résolus à ne pas laisser le mot dans son poncif d’obscurité mutique, ont abordé de front le caractère contradictoire des différentes acceptions du concept d’extase, qui est apparu comme un concept-limite.

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